1946

Ist das Leben nicht schön? (1946)

Regie: Frank Capra
Original-Titel: It’s a Wonderful Life
Erscheinungsjahr: 1946
Genre: Drama, Liebesfilm, Weihnachtsfilm
IMDB-Link: It’s a Wonderful Life

Weil sich der Geschäftsmann George Bailey (James Stewart) ausgerechnet an Heiligabend umbringen möchte, stellt ihm der Himmel einen Schutzengel (Henry Travers) zur Seite, um ihn von seinem Vorhaben abzuhalten, doch der noch recht unerfahrene Engel zweiter Klasse muss erst einmal ordentlich gebrieft werden. Also wird zunächst die Lebensgeschichte von George Bailey aufgerollt, der immer groß auf Reisen gehen wollte, doch das Leben hatte andere Pläne für ihn. „Ist das Leben nicht schön?“ von Frank Capra ist einer der Weihnachtsklassiker schlechthin. Fast die gesamte Handlung besteht aus einer langen Rückblende, in der aufgerollt wird, wie George Bailey an den Punkt gelangen konnte, dass er seinen Lebensmut verlor. Diese Lebensgeschichte zieht sich zuweilen etwas hin, hat aber auch ihre legendären und denkwürdigen Momente, wenn beispielsweise ein Tanz mit der angebeteten Mary (Donna Reed) unerwartet in einem Bad im Swimming Pool endet. Aus der Auswahl solcher Momente, guter wie schlechter, schält sich allmählich ein Lebenslauf heraus. Die eigentliche Stärke des Films liegt allerdings in seinem letzten Drittel, als Engel Clarence dem Todessehnsüchtigen zeigt, wie eine Welt aussehen würde, in der er nie geboren wurde. Natürlich ist das kitschig, doch das leidenschaftliche Spiel von James Stewart und der trockene Humor von Henry Travers erden die Geschichte. Das Happy End rührt tatsächlich sehr und führt dem Zuseher vor Augen, was der Geist der Weihnacht bedeutet. So ist „Ist das Leben nicht schön?“ zurecht ein Klassiker, der auch heute noch bewegt und Werte vermittelt, die sich gut in die aktuelle Zeit übertragen lassen. In diesem Sinne wünsche ich euch allen da draußen ein friedvolles Weihnachtsfest im Kreise eurer Liebsten!

7,5 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Rächer der Unterwelt (1946)

Regie: Robert Siodmak
Original-Titel: The Killers
Erscheinungsjahr: 1946
Genre: Thriller, Krimi
IMDB-Link: The Killers

„Rächer der Unterwelt“, auch bekannt als „Die Killer“, begründete Robert Siodmaks Ruf als exzellenten Regisseur für dramatische Thriller. Und das zurecht. Denn der finstere Film Noir ist spannend und wendungsreich inszeniert, ohne aber die Geduld der Zuseher mit übertriebenen deus ex machina-Momenten zu sehr zu strapazieren. Der Film beginnt mit einer brillanten Szene, als zwei dubiose Gestalten, die sich schon bald höflich als Killer vorstellen, recht nonchalant ein Diner übernehmen, um hier auf „den Schweden“ zu warten, mit dem sie offensichtlich eine Rechnung offen haben. Diese Szene hätte ein Tarantino auch nicht viel besser hinbekommen beziehungsweise würde es mich nicht überraschen, wenn Tarantino ein Bewunderer dieser Szene wäre. Nun, der Schwede ist bald tatsächlich Geschichte, doch sein letzter Wille, mit dem er sein Erspartes einem Zimmermädchen eines Hotels vermacht, gibt dem Versicherungsdetektiv Jim Reardon (Edmond O’Brien) Rätsel auf. Er taucht tief ein in die Vergangenheit des Schwedens, seinen Anfängen als Boxer, seiner Liaison zur mysteriösen Barsängerin Kitty Collins und den Geheimnissen, die nach und nach an die Oberfläche kommen. Der Schwede und seine Kitty werden von niemand Geringerem gespielt als den (späteren) Weltstars Burt Lancaster und Ava Gardner, die damals an den Anfängen ihrer Karrieren standen. Und die mit „Rächer der Unterwelt“ ihren Filmographien schon früh ein Meisterwerk hinzufügen konnten. Wer nur einen einzigen Film Noir in seinem Leben gesehen haben möchte, der kann ruhig zu „Rächer der Unterwelt“ greifen. Die Herausgeber von „1001 Filme, die Sie sehen sollten, bevor das Leben vorbei ist“ sehen das ähnlich und haben den düsteren Krimi in ihre Liste mit aufgenommen.

8,0 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Die blaue Dahlie (1946)

Regie: George Marshall
Original-Titel: The Blue Dahlia
Erscheinungsjahr: 1946
Genre: Thriller, Krimi
IMDB-Link: The Blue Dahlia

1946 einen Film über Kriegsheimkehrer herauszubringen, war schon eine mutige Entscheidung. In diesem Fall lassen sich die seelischen Verwundungen und das Gefühl der Abgeschiedenheit von der Welt aber gut mit den Stilmitteln des Film Noir kombinieren. Hier findet zusammen, was zusammengehört. Die Geschichte handelt von Johnny, der zusammen mit seinen Kameraden Buzz und George nach Hause zurückgekehrt ist, nur um seine Frau als versoffenes Partygirl mit einer heimlichen Affäre wiederzufinden, und der Sohn ist auch gestorben. Im Streit geht das Ehepaar auseinander, und kurze Zeit später ist die Ehefrau tot. Logisch, dass der Verdacht der Polizei auf den flüchtigen Ehemann fällt. Der hat nun alle Hände voll zu tun, den Fall selbst aufzuklären, ehe er geschnappt wird. Ihm zu Hilfe kommt eine mysteriöse Fremde, die irgendwie auch neben der Spur zu sein scheint. „Die blaue Dahlie“ ist Drama, Drama, Drama! Der Plot biegt vielleicht ein paar Mal zu oft ab, sodass einem mit der Zeit fast schwindlig von den vielen deus ex machina-Momenten und signifikanten Zufällen wird. Doch immerhin ist für Spannung und Unterhaltung gesorgt. Das Ende überrascht, wirkt aber nicht stimmig. Selbst M. Night Shyamalan wäre da wohl nicht mitgegangen. Unterm Strich ist „Die blaue Dahlie“ von George Marshall ein recht klassischer Vertreter des Genres. Wer ein Faible dafür hat, wird gut unterhalten, nur sollte man vorab jeglichen Anspruch an Logik aus seiner Erwartungshaltung streichen.

6,0 Kürbisse

(Bildzitat: © 1946 Paramount Pictures, Quelle http://www.imdb.com)

Paisà (1946)

Regie: Roberto Rossellini
Original-Titel: Paisà
Erscheinungsjahr: 1946
Genre: Episodenfilm, Drama, Kriegsfilm
IMDB-Link: Paisà

Als „Paisà“ bezeichneten die Italiener während des Zweiten Weltkriegs die amerikanischen Soldaten, die in Sizilien landeten und von dort aus nordwärts Richtung Alpen marschierten. Um die Begegnungen zwischen den Soldaten und der zivilen Bevölkerung geht es auch in Rossellinis Episodenfilm, der zu den Klassikern des italienischen Neorealismus gezählt wird. Wie auch die amerikanischen Truppen selbst arbeitet sich Rossellini vom Süden in den Norden vor: Auf Sizilien begegnet ein Spähtrupp einer jungen Sizilianerin, die nach ihrer Familie sucht. Im besetzten Neapel führt ein armer Junge einen betrunkenen Militärpolizisten durch die Ruinen der Stadt. In Rom laufen sich zwei ehemals Liebende in die Arme, die sich nach den fürchterlichen Grauen, die der Krieg in die Stadt gebracht hat, nicht wiedererkennen. In Florenz versucht eine amerikanische Krankenschwester zusammen mit einem Bekannten in den noch von Deutschen besetzten Teil der Stadt vorzudringen, um ihren Geliebten zu suchen. In einem entlegenden Kloster in der Romagna nehmen Mönche amerikanische Militärkaplane bei sich auf. Und in der Po-Ebene kämpfen im Schilf des Ufers erbittert eingeschlossene Partisanen zusammen mit einer amerikanischen Einheit mit Unterstützung der Bevölkerung gegen die Deutschen. Manche dieser Geschichten sind wunderbare, in sich geschlossene Dramen (wie etwa die erste und die dritte Episode), die auch einen ganzen Film allein tragen würden. Nicht alle Episoden sind gleichermaßen fesselnd, aber alle zeichnet ein unverzerrter, jedoch nicht verbitterter Blick auf die Verhältnisse im besetzten Italien aus. Die Dialoge sind hervorragend geschrieben (am Drehbuch arbeiteten Federico Fellini und Klaus Mann mit), die Kamerarbeit ist exzellent, und hin und wieder blitzt sogar ein Funke Humor durch – der allerdings schon in der nächsten Einstellung von der Realität des Krieges unterlaufen wird. Den Fortschritt der amerikanischen Truppen zeichnet Rossellini in kurzen Zwischensequenzen mit Aufnahmen aus der Nachrichten nach, was dem Film zudem eine dokumentarische Note verleiht. Ein sehr eindringlicher und phasenweise intensiver Film, dessen einzelne Episoden zwar nicht alle durchgängig auf dem gleichen herausragenden Niveau sind, aber insgesamt ist „Paisà“ ein großes Werk, das sehr gut gealtert ist.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 15 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

8,0
von 10 Kürbissen

Die seltsame Liebe der Martha Ivers (1946)

Regie: Lewis Milestone
 Original-Titel: The Strange Love of Martha Ivers
Erscheinungsjahr: 1946
Genre: Drama, Krimi
IMDB-Link: The Strange Love of Martha Ivers

Der zweifach Oscar-gekrönte Regisseur Lewis Milestone inszenierte mit „The Strange Love of Martha Ivers“ einen finsteren Film noir mit hochkarätiger Besetzung. Die undurchsichtige Titelfigur gibt Barbara Stanwyck, Kirk Douglas hat hier seinen ersten (gar nicht heldenhaften) Filmauftritt, aber das Herzstück des Films ist ein großartig aufgelegter Van Heflin als Spieler und etwas windige Gestalt Sam Masterson, den es nach 17 oder 18 Jahren zufällig mal wieder in die alte Heimatstadt verschlagen hat. Flüchten wollte er damals mit seiner Jugendliebe Martha Ivers, die im Haus ihrer reichen Tante unglücklich ist und unbedingt weglaufen möchte. Doch in der Nacht, in der sich Martha und Sam absetzen möchten, kommt die Tante zu Tode – ein Unglück, an dem Martha nicht unbeteiligt ist, was allerdings Sam, der schon Fersengeld gegeben hat, nicht mitbekommen hat. Eben diese 17 oder 18 Jahre später wirbelt die Ankunft von Sam Masterson in der Stadt jede Menge Staub auf. Dabei wollte er einfach nur sein Auto reparieren („Die Straße hat eine Kurve genommen. Ich nicht.“) und stößt dabei auf die geheimnisvolle Antonia „Toni“ Marachek (hocherotisch verkörpert von Lizabeth Scott), die ihm, dem Unnahbaren, dann doch ein wenig den Kopf verdreht – und wie es halt in den alten Film noir-Klassikern so ist: Kaum tritt die schöne Frau auf, geht es erst so richtig los mit den Problemen. Denn dass eben jene gerade gegen die Bewährungsauflagen verstoßen hat und auf Sams Hilfe angewiesen ist, damit sie nicht für die nächsten fünf Jahre gesiebte Luft atmen muss, führt zu den dramatischen Verwicklungen, in denen Schuld, Abhängigkeit und stetes Misstrauen der Menschen untereinander abgehandelt werden. Natürlich ist der Film aus heutiger Sicht an vielen Stellen arg melodramatisch, vor allem die Dialoge sind – wie oft in jener Zeit – dramaturgisch überspitzt, aber dennoch hat sich der Film die letzten 70 Jahre gut gehalten. Das liegt an der sehr charismatischen und gut spielenden Besetzung und am düsteren, fatalistischen Unterton, und auch wenn am Ende ein Happy End suggeriert wird, weiß man als Zuseher: Dem Frieden ist nicht zu trauen. Denn schlimmer kommt es immer.

7,5
von 10 Kürbissen