2017

Die Frau des Nobelpreisträgers (2017)

Regie: Björn Runge
Original-Titel: The Wife
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama
IMDB-Link: The Wife


Das ältere Ehepaar Castleman (Glenn Close und Jonathan Pryce) hüpft an einem frühen Morgen auf dem Bett herum. Er singt wie ein kleines Kind: „I WON THE NOBEL PRIZE! I WON THE NOBEL PRIZE!“ Ihr Gesicht strahlt, sie ist stolz auf ihren Mann, der gerade den Anruf aus Schweden erhalten hat. Später in Stockholm im Zuge der Nobelpreisverleihung: Spannungen tun sich auf. Joe Castleman ist nervös und aufgeregt, er sucht nach Anerkennung und badet darin, was zum Einen seinen Sohn David (Max Irons) auf die Palme bringt, und zum Anderen für seine Frau Joan schwer zu schlucken ist. Immer steht sie im Hintergrund. Sie scheint zufrieden damit zu sein, doch irgendwann ist es auch für sie zu viel. Ihr Mann, dem unzählige Affären nachgesagt werden, wird als Genie gefeiert, während sie selbst ihre einst vielversprechende literarische Karriere auf Eis legen musste. Bücher von Frauen würden sich nicht verkaufen, das sagte eine publizierte Schriftstellerin damals zu ihr. Und sie, die Schüchterne, die gerade eine Affäre mit ihrem verheirateten Literaturprofessor begonnen hatte, eben jenem Joe Castleman, stellte jegliche Ambition zurück, um für ihren Lover da zu sein. Lebensentscheidungen, die man später vielleicht bereut oder die zumindest einen Prozess anregen können, der alles auf den Kopf stellt. Davon erzählt Björn Runge in der Verfilmung des Romans von Meg Wolitzer. „Die Frau des Nobelpreisträgers“ ist ein sehr solider, gut gemachter Film, der vielleicht in seinen Figurenkonstellationen und Konflikten etwas zu sehr simplifiziert, auch wenn die einzelnen Dialoge und Szenen dazu per se großartig sind. Das wiederum liegt an den überragenden Darstellungen sowohl von Glenn Close, die damit zurecht als Favoritin in die kommende Oscar-Verleihung geht, als auch Jonathan Pryce. Beide sind das zentrale Herzstück des Films, und ohne deren Leistungen könnte dieser gar nicht funktionieren. Denn beide statten ihre Figuren mit so viel Ambivalenz aus, dass damit auch gröbere Schwächen im Drehbuch ausgebügelt werden. Und auch wenn ich The Favourite und Olivia Colman darin sehr geliebt habe, aber liebe Academy, bitte gebt in der Nacht von Sonntag auf Montag Glenn Close den Goldmann. Das wäre angesichts dieser subtilen, nuancierten Darstellung, die völlig unprätentiös ohne Effekthascherei auskommt, einfach verdient.


6,5
von 10 Kürbissen

Radiance (2017)

Regie: Naomi Kawase
Original-Titel: Hikari
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Liebesfilm
IMDB-Link: Hikari


Misako (Ayame Misaki) hat einen interessanten Job. Sie erstellt die Texte für Tonspuren von Filmen für Sehbehinderte. Was genau sie dazu befähigt, wird allerdings nicht klar – denn ihre Versionen treffen kaum den Geschmack ihres Testpublikums. Vor allem Herr Nakamori (Masatoshi Nagase) hat ständig was zu meckern – aber zugegeben, wäre ich ein berühmter Fotograf, der kurz davor steht, vollständig zu erblinden, wäre ich auch schlecht drauf. Jedenfalls eckt Misako trotz oder vielleicht gerade wegen ihrer Beharrlichkeit, ständig neue Versionen vorzulegen, vor allem bei diesem mürrischen Herrn ordentlich an. So sehr sie sich auch bemüht, aber weder findet sie den richtigen Tonfall noch die richtigen Worte. Solche Misserfolge frustrieren natürlich. Dennoch bleibt sie zuversichtlich, das Werk irgendwann zur Zufriedenheit auch der kritischsten Stimme fertigstellen zu können. Mit einem Lächeln wischt sie alle Bedenken und Einwände fort. Überhaupt lächelt sie viel. Wenn sie nicht gerade traurig schaut. Und auch wenn ich mich während der Sichtung des Films ein bisschen in Ayame Misakis Lächeln wie in ihre traurigen Augen gleichermaßen verguckt habe, so eindimensional und wenig greifbar wirkt die Figur auch auf mich. Womit wir beim Kern des Problems wären, das ich mit dem Film hatte: Die Geschichte mit ihren Protagonisten, sei es die junge Misako, sei es der grantige Fotograf, war stets auf Distanz zu mir. Die Annäherungsversuche der beiden aneinander schienen mir somit nicht glaubhaft zu sein. Für ein Liebesdrama eine unglückliche Ausgangsposition. So erfreute ich mich zwar an den schönen Bildern und an Ayame Misakis Augen, aber beides wird, fürchte ich, irgendwann – wie Herrn Nakamoris Welt – in Dunkelheit verschwinden.


5,0
von 10 Kürbissen

Teheran Tabu (2017)

Regie: Ali Soozandeh
Original-Titel: Tehran Taboo
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Animation
IMDB-Link: Tehran Taboo


Es ist schon eine Weile her, dass ich „Teheran Tabu“ gesehen habe. Trotzdem ist er noch sehr präsent, und immer wieder denke ich über den Film nach. Das ist schon mal ein untrügliches Qualitätsmerkmal, und so wird es auch Zeit, dem Film auch hier ein paar Zeilen zu widmen. „Teheran Tabu“ ist tatsächlich eine außergewöhnliche Erfahrung. So wurde er in einer Mischung aus Motion Capture und Rotoskopie gedreht. Rotoskopie ist das Nachzeichen/Nach-Animieren von real gedrehten Filmszenen. Auf diese Weise wird ein hoher Grad an Realismus erzielt bei gleichzeitiger Verfremdung durch die Animation. Aber das allein macht den Film nicht aus. Denn die interessanteste technische Umsetzung allein trägt einen Film nicht, wenn der Inhalt nicht überzeugen kann. Doch gerade damit kann „Teheran Tabu“ punkten. Ali Soozandeh zeigt auf, wie das repressive politisch-gesellschaftliche Leben im modernen Teheran ganze Leben zerstört. In lose miteinander verwobenen Episoden werden einzelne Schicksale aufgezeigt – sei es jenes der allein erziehenden Mutter, die mit Prostitution über die Runden kommen muss, sei es das Schicksal der jungen Frau, die sich scheiden lassen möchte, das aber nicht tun kann, weil der Mann, der im Gefängnis sitzt, nicht zustimmt, sei es die Erzählung vom überforderten Jugendlichen, der mit einem Mädchen geschlafen hat, das verheiratet werden soll, und der nun Geld zusammentreiben muss für eine Rückoperation des Jungfernhäutchens. Vor allem das bittere Los und die geringe Stellung der Frauen werden erbarmungslos aufgezeigt. „Teheran Tabu“ ist ein Film, den man sich nur mit einer gefestigten Psyche geben sollte, der aber auch lange nachhallt.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 59 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)


8,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Filmladen)

Greatest Showman (2017)

Regie: Michael Gracey
Original-Titel: The Greatest Showman
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Musical, Biopic, Drama
IMDB-Link: The Greatest Showman


Hollywood liebt Geschichten über das Showbusiness. Und wenn diese auch noch in Form eines Musicals erzählt werden, haben Produzenten feuchte Augen vor Freude. „The Greatest Showman“, der lose auf der Biographie von P.T. Barnum, einem Pionier des Zirkus, basiert, war auch ein großer Erfolg. Hugh Jackman darf mal wieder singen (und das tut er ja sehr gerne), Zac Efron darf zeigen, dass er nicht nur gelangweilt aussehen kann, Michelle Williams darf hingegen ausnahmsweise mal gelangweilt sein (und mit Handkuss den wohl beträchtlichen Scheck für ihre Nebenrolle, in der sie hoffnungslos unterfordert ist, einstreifen), und die Sängerin Keala Settle singt mit „This Is Me“ eine der großen Hymnen der vergangenen Filmjahre. Auch ist die Geschichte des Zirkus der Außenseiter unterhaltsam erzählt, und die Showeinlagen wissen durchaus zu überzeugen. So weit, so gut. Allerdings kümmert sich der Film nicht um historische Exaktheit, sondern trampelt sogar mit großen Elefantenfüßen (und das ist wortwörtlich gemeint) auf den historischen Begebenheiten herum. Das ist wahnsinnig schade und unnötig, denn so verkommt der Film zu einer Feelgood-Kitsch-Orgie, das viele ernste und gut gemeinte Themen mit einem Zuckerguss überstreut, der eine eingehendere Beschäftigung fast unmöglich macht. Es fehlen die leisen Zwischentöne. Für einen unterhaltsamen Filmabend reicht es allemal – dafür sorgen allein schon die Schauwerte des Films – aber richtig berühren konnte mich „The Greatest Showman“ nur selten, da er nur zu offensichtlich darauf abzielt, auf die Tränendrüsen zu drücken. Wer dafür empfänglich ist (und das ist völlig wertfrei gemeint), wird seine große Freude an diesem handwerklich gut gemachten und von den Darstellern mit viel Enthusiasmus gespieltem Film haben. Wer es allerdings etwas subtiler mag, wird wohl erschlagen vom Bombast.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 44 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

 


5,5
von 10 Kürbissen

Mary Shelley (2017)

Regie: Haifaa Al Mansour
Original-Titel: Mary Shelley
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Biopic, Drama, Liebesfilm, Historienfilm
IMDB-Link: Mary Shelley


Es hat eine Weile gedauert, bis dieser Streifen den Weg in unsere Lichtspielhäuser fand. Im September 2017 feierte „Mary Shelley“ von Haifaa Al Mansour in Toronto seine Premiere, im April 2018 lief der Film in Frankreich an, im Mai in den USA und nun, Ende Dezember, hat auch das deutschsprachige Publikum die Chance, der Entstehung eines Monsters beizuwohnen. Das Monster ist in diesem Fall die Liebesbeziehung zwischen Mary Godwin und Percy Shelley, deren emotionale Achterbahnfahrt schließlich in „Frankenstein oder Der moderne Prometheus“ mündet, vielleicht der beste und humanstischste Schauerroman, der jemals geschrieben wurde. Bis allerdings die Muse die 18jährige Mary (sehr bemüht verkörpert von Elle Fanning) packt, dauert es fast zwei Stunden. Denn im Grunde hat der Film wenig Interesse für den berühmten Roman, sondern fokussiert auf die Geschichte der späteren Mary Shelley, die in wilder Ehe gemeinsam mit ihrer Stiefschwester Claire Clairmont (Bel Powley) mit dem Dichter, Lebemann, Atheisten und rücksichtslosen Arschloch Percy Shelley (Douglas Booth, zu schön, um glaubhaft zu sein) zusammenlebt und versucht, an seiner Seite nicht komplett unterzugehen. In einem verregneten Sommer in Genf bei Lord Byron (Tom Sturridge) gehen schließlich die Wogen hoch, und ein Monster wird geboren. „Mary Shelley“ ist ein sehr bemühter Kostümfilm mit feministischer Agenda. Mary ist eine Suchende, die sich von gesellschaftlichen Konventionen nicht vorschreiben lässt, wie sie zu leben hat. Der Film hat allerdings ein gewaltiges Problem: Die Liebesgeschichte wird auf Rosamunde Pilcher-Niveau erzählt. Die Figuren, ihre Emotionen und Reaktionen, sind hoffnungslos überzeichnet, die Psychologie und damit die Glaubhaftigkeit leidet sehr darunter. Vor allem Douglas Booth ist überfordert, sein Percy Shelley gerät zur Witzfigur. Der Rest des Casts macht seine Sache gut, kann aber gegen diese schmalzige Inszenierung auch nicht viel ausrichten. Insofern: Wenn der Film am 14. Februar noch laufen sollte und ihr euer Valentinstag-Date klar gemacht habt, dann wäre dieser Anflug von Herzschmerz wahrscheinlich gerade passend. Ein guter Film ist „Mary Shelley“ trotz großem Potential allerdings nicht geworden.


4,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Polyfilm Verleih)

First Reformed (2017)

Regie: Paul Schrader
Original-Titel: First Reformed
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Thriller
IMDB-Link: First Reformed


Wenn man sich den Zustand der Welt heute ansieht, kann man schon vom Glauben abfallen. So geht es jedenfalls Michael (Philip Ettinger), dem Mann von Mary (Amanda Seyfried). Die ist schwanger, und Michael, ein überzeugter Umweltaktivist, hadert mit dem Gedanken, Nachwuchs in die Welt zu setzen, wenn diese Welt knapp vor dem totalen Kollaps steht. Mary wiederum hätte gerne Kinder, weshalb sie Reverend Toller (Ethan Hawke) bittet, ihrem Mann ins Gewissen zu reden. In einer Dialogszene, deren Intensität an die erste Verhörszene in Tarantinos „Inglorious Basterds“ erinnert, merkt Toller schon bald, wie schwer es ist, jemandem Hoffnung zu machen, wenn man selbst schon knapp vor dem Abgrund stand und fast alle Hoffnung verloren hat und mit Fragen konfrontiert wird, auf die man keine Antworten hat. Der Kampf um das ungeborene Kind wird in einer dramatischen Wendung plötzlich zum Kampf um die eigene Seele. Und was tun, wenn man dann auch noch einen Schuldigen vor Augen hat? Darf man Schuld auf sich laden, um noch größere Schuld zu verhindern? Das Gewissen des Kirchenmannes wird mit jedem Tag mehr belastet, und schon bald wird es schwierig bis unmöglich, Richtig von Falsch zu unterscheiden. Auch alle zwischenmenschlichen Beziehungen erfahren völlig neue Bewertungen. Paul Schraders Film ist sehr intelligent gestrickt und konsequent gedacht und inszeniert, ohne dem Zuseher allerdings das eigene Mitdenken abzunehmen. Vor allem die letzte Szene kann auf Irritation stoßen, wenn man zu sehr am Offensichtlichen festhängt. „First Reformed“ verlangt, dass man sich in die Psychologie der Figuren hineinfühlt. Vieles bleibt unausgesprochen, viele Gespräche erscheinen zunächst auch redundant, dienen aber dazu, die Charaktere und ihre gedanklichen Verstrickungen sichtbar zu machen. Das allerdings führt dazu, dass der Film durchaus seine gelegentlichen Längen hat und beim Zusehen etwas Geduld erfordert. Am Ende wird man dafür belohnt, aber der Weg dahin kann etwas beschwerlicher ausfallen. Der von Ethan Hawke grandios nuanciert gespielte Reverend Toller ist allerdings ein interessanter Charakter, der gleichzeitig Stolz wie Demut, Hoffnung wie Verzweiflung, soziales Gewissen wie Gewissenlosigkeit vereint und dessen Weg man gerne mitverfolgt. Paul Schrader setzt dabei auf das Narrativ des Mannes, der nichts mehr zu verlieren hat. Reverend Toller ist so etwas wie die sanfte und eloquente Version von Scorseses „Taxi Driver“. „First Reformed“, derzeit im Gartenbaukino in Wien zu sehen, ist ein ruhig erzählter, aber im Nachhinein aufwühlender Film und definitiv empfehlenswert.


7,5
von 10 Kürbissen

Drift (2017)

Regie: Helena Wittmann
Original-Titel: Drift
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Experimentalfilm
IMDB-Link: Drift


Es ist an der Zeit, meine Leserschaft mit Jacques (Name von der Redaktion geändert) bekannt zu machen. Jacques ist ein kunstsinniger Filmliebhaber und in der Wiener Film- und Kinoszene gut vernetzt. Er ist höflich, zurückhaltend, voller Liebe und Respekt für Filme – und ich weiß, dass zwei harte Stunden auf mich zukommen, wenn ich etwas anschaue, was ihm gefällt. Unsere Filmgeschmäcker dürften zwei entgegengesetzte Pole sein. Und so schwante mir Übles, als ich ihn gestern mit erwartungsvollem Blick im Saal des Urania-Kinos antraf zur Vorstellung von Helena Wittmanns Essay-Film „Drift“. Darin geht es um zwei junge Frauen in Hamburg, die voneinander Abschied nehmen, da die eine zurück geht in ihre Heimat Argentinien, und die andere zu einer Reise nach Papua-Neuguinea und über den Ozean zurück antritt. Kernstück des Films, der fast ohne Dialog auskommt, ist eine halbstündige Sequenz, in der in langen Einstellungen nur die Wellen des Ozeans zu sehen sind. So gesehen ist „Drift“ ein sehr publikumsfreundlicher Film: Man kann zwischendurch jedenfalls aufs Klo gehen, ohne etwas zu verpassen, selbst wenn die Sitzung mal länger dauern sollte. Oder man notiert sich gedanklich Einkaufslisten für den nächsten Tag. Man kann natürlich auch den Steuerausgleich machen. Oder man träumt sich an einen hübschen Strand (die Bilder der Wellen helfen beim Imaginieren) mit der heimlichen (oder unheimlichen) Flamme. Alles (inklusive Stuhlgang) ist spannender als das, was auf der Leinwand geschieht. Dennoch entwickelt überraschenderweise genau diese halbstündige Sequenz so etwas wie eine meditative Atmosphäre, in der man sich gut verlieren kann – und die damit dem Film eine sinnliche Komponente hinzufügt, die man tatsächlich so im Kino noch nicht oder nur selten wahrgenommen hat. Dafür wäre ich ja fast geneigt, eine höhere Bewertung zu vergeben – aber dann erinnere ich mich wieder an minutenlange Einstellungen von schlafenden Menschen, und der Kürbisbarometer geht wieder nach unten. Jacques hingegen dürfte der Film gefallen haben.


2,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)